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Le Royal Opera House de Londres a une fois de plus fait preuve d’une générosité remarquable en partageant ses productions avec un public mondial grâce aux retransmissions au cinéma.
 

On m’a récemment demandé quelle était ma production préférée de L’Anneau du Nibelung. Plus tôt cette année, j’avais écrit très favorablement au sujet du nouveau Ring de David McVicar à La Scala, si bien que la question semblait d’abord simple. Pourtant, elle s’est révélée étonnamment difficile. Sans aucun doute, le Ring de Chéreau resterait probablement toujours mon préféré – bien que je ne l’aie jamais vu en direct. Au-delà de cela, j’ai toutefois vu au moins dix productions différentes et il m’est difficile de faire un choix.

Mais si l’on me demandait aujourd’hui quel Siegfried surpasse tous les autres, je n’hésiterais pas : celui de Barrie Kosky à Londres.

Je dois admettre que j’ai toujours trouvé Siegfried une œuvre difficile. En réalité, ce fut même mon premier opéra de Wagner. Alors que j’étais étudiant à la Musikhochschule de Hanovre, j’ai assisté à une représentation avec des camarades. Pendant le premier acte, je me suis senti extrêmement ennuyé et peu concerné – deux ténors semblant se hurler dessus sans fin, du moins c’est ainsi que je l’ai perçu à l’époque. J’ai été tenté de partir, mais je n’ai pas voulu l’avouer à mes amis. Je suis donc resté pendant les cinq heures entières. À la fin, la dernière heure a tout racheté – Wagner, après tout, réserve rarement son inspiration la plus forte pour le début.

Plus récemment encore, lors du Siegfried de McVicar à Milan, je me suis surpris à éprouver à nouveau des difficultés pendant le premier acte, me disant que cette musique ne m’avait jamais pleinement séduit, bien que l’ensemble n’appelât guère de critiques.

Quelques semaines plus tard, je suis passé par hasard à Londres pour rendre visite à un ami. J’ai découvert que le Siegfried de Barrie Kosky, faisant partie de son nouveau cycle du Ring en cours d’élaboration, serait joué pendant mon séjour. Obtenir un billet n’a pas été simple, mais j’ai réussi – comme souvent. J’avais déjà vu sa Walkyrie au cinéma à Reykjavik et j’avais été impressionné. Pourtant, rien ne m’avait préparé à ce que j’allais vivre.

Ce Siegfried est devenu, sans le moindre doute, la meilleure production d’opéra que j’aie jamais vue. Tous mes anciens sentiments d’ennui et de distance ont totalement disparu. Qu’est-ce qui avait changé ?

Commençons par le premier acte. Andreas Schager incarne un Siegfried électrisant dès la première seconde. Sa physicalité juvénile, son enthousiasme presque enfantin et son agitation permanente sur scène sont totalement convaincants. Tout aussi impressionnante est son énergie inépuisable jusqu’à la fin. La mise en scène de Kosky donne une profondeur psychologique remarquable au personnage : on voit se déployer la crise identitaire de Siegfried, élevé dans l’isolement avec le grotesque Mime, sans autre compagnie que les animaux et les oiseaux de la forêt. Il les observe – leurs structures familiales, leurs liens – et les compare à sa propre situation. Ce Mime répugnant peut-il réellement être son père ? Et sa mère, alors ?

Bien qu’il aspire désespérément à fuir Mime, il revient sans cesse vers lui, poussé par la nécessité de découvrir ses origines, quitte à lui arracher la vérité. Malgré la noirceur de sa situation, il reste vivant, curieux et plein d’énergie. Sur le plan dramatique comme vocal, la prestation de Schager est extraordinaire. Il semble né pour ce rôle, chantant avec aisance, clarté et autorité.

Peter Hoare, en Mime, est tout aussi remarquable. Le rôle offre d’innombrables possibilités de caractérisation grotesque, et Hoare les exploite toutes. Son Mime est une véritable leçon de jeu d’acteur : chaque geste, chaque expression, chaque inflexion vocale est soigneusement travaillée. Comme l’a justement observé un critique, il est « l’incarnation même de la malveillance incompétente ». Cette interprétation restera sans doute dans les mémoires – et à juste titre.

Mais ce n’est pas seulement la virtuosité de ces interprétations, guidée par la mise en scène magistrale de Kosky et la direction révélatrice d’Antonio Pappano, qui rend cette production si marquante. Pappano révèle une richesse sonore insoupçonnée dans la partition, donnant l’impression d’une œuvre redécouverte.

L’univers visuel est tout aussi saisissant. Le premier acte s’ouvre sur une image presque féerique : la cabane de Mime perchée dans un arbre, accessible uniquement par une échelle raide. Dans sa frustration croissante, Mime frappe vainement les fragments de l’épée et se frappe même le casque sur la tête au rythme de l’orchestre. Lorsqu’il apprend du Voyageur que seul celui qui ne connaît pas la peur peut reforger Nothung, il comprend que Siegfried est le seul capable d’y parvenir.

La scène du forgeage devient un spectacle théâtral d’une imagination stupéfiante. Siegfried introduit sur scène des machines complexes, presque surréalistes – inédites jusqu’ici – accompagnées de bruit, de fumée et de feu, tandis que l’épée est fondue puis reforgée. Son énergie débordante ne faiblit jamais.

Le deuxième acte marque une transformation complète. L’antre de Fafner apparaît comme une maison sur une colline enneigée. Erda est présente en permanence, souvent assise sur un banc, et fonctionne comme un motif visuel récurrent tout au long du cycle – généralement nue. Lors de la scène de l’Oiseau de la forêt, elle prend même le rôle de l’oiseau, avec des plumes et des doigts allongés, mimant le chant par le mouvement de ses lèvres.

Les échanges entre Siegfried et Mime atteignent ici de nouveaux sommets comiques. Fafner n'apparaît pas sous les traits d'un dragon, mais sous ceux d'une silhouette imposante entièrement vêtue d'or, et sa confrontation avec Siegfried est empreinte d'un humour surprenant, parfois presque chaplinesque, avant sa mort finale.

Le troisième acte s’ouvre sur une image forte : Erda émerge d’un amas de vêtements, tandis que son « double » reste visible au-dessus. Le Voyageur de Christopher Maltman est profondément convaincant, exprimant avec subtilité la résignation et le désespoir croissants. Sa confrontation avec Siegfried est intense et souligne l’impatience et l’irrévérence de ce dernier.

Puis vient la transformation finale : le rocher de Brünnhilde n’est pas une montagne aride, mais une prairie éclatante de fleurs et de couleurs. Un grand arbre domine la scène, son tronc creux abritant souvent l’omniprésente Erda.

Brünnhilde apparaît progressivement – d’abord une main surgissant de la terre – jusqu’à ce qu’Elisabeth Strid s’éveille pleinement. Son interprétation capture la profonde mutation psychologique de la guerrière divine en femme vulnérable, non sans regrets. Son hésitation initiale face à la passion irrésistible de Siegfried est rendue avec une grande délicatesse.

Le duo final est à la fois visuellement et émotionnellement lumineux. Les mouvements extatiques de Brünnhilde dans la prairie fleurie expriment une joie pleinement méritée. L’accueil du public est d’une fascination intense, suivi d’applaudissements prolongés – eux aussi parfaitement mérités.

Une semaine plus tard, j’ai eu l’occasion de revoir la production – cette fois dans un cinéma à Vienne. Cela s’est révélé être un complément exceptionnel à l’expérience en salle.

Tous les amateurs d’opéra n’ont pas la possibilité de voyager à l’international. Les retransmissions au cinéma offrent un accès précieux, en apportant des productions de premier ordre aux communautés locales. Elles ouvrent aussi de nouvelles perspectives : proximité avec les interprètes, visibilité des expressions faciales, intimité du détail.

Ces projections sont souvent enrichies de contenus en coulisses et d’interviews – cette fois avec Antonio Pappano, des techniciens et des assistants de mise en scène – qui approfondissent la compréhension de la production.

Je suis convaincu que le Ring de Barrie Kosky au Royal Opera House a le potentiel de devenir le Ring marquant du XXIe siècle – peut-être même de toute l’histoire. Le niveau d’exécution est exceptionnel. Le Mime de Peter Hoare et le Siegfried d’Andreas Schager sont inoubliables ; les expressions de Hoare à elles seules constituent une étude du jeu d’acteur, tandis que Schager atteint un niveau d’intensité extraordinaire.

Je me suis retrouvé dans un état d’extase véritable – probablement amplifié par la perspective cinématographique, qui révélait encore davantage de couches de cette production remarquable.

Cette année a déjà offert d’autres occasions de découvrir Wagner hors des maisons d’opéra : Tristan et Isolde du Metropolitan Opera a été retransmis en salles dans le monde entier en mars, et Barcelone a rendu sa nouvelle production de Tristan accessible en ligne. Il devient de plus en plus possible d’accéder aux œuvres de Wagner depuis chez soi, sans perdre leur puissance émotionnelle. De nombreux opéras s’ouvrent à ces possibilités.

L’Association internationale (RWVI) salue vivement ces initiatives et s’efforce de les diffuser auprès de ses sociétés membres.